La sofferenza di chi si sente creativo e non sa omologarsi al “normale”

IN UN UN MONDO MALATO, I SANI DI MENTE VANNO DALLO PSICOLOGO –

Di dr.ssa Carla Sale Musio –

Come psicoterapeuta, incontro spesso persone dotate di un’ottima salute mentale ma sofferenti, a causa della patologia sociale in cui vivono immerse.
Nel corso degli anni ho individuato, dietro a tante richieste di aiuto, una struttura di personalità dotata di sensibilità, creatività, empatia e intuizione, che ho chiamato: Personalità Creativa.
In questi casi non si può parlare di cura (anche se, chi chiede una terapia, si sente patologico e domanda di essere curato) perché: essere emotivamente sani in un mondo malato genera, inevitabilmente, un grande dolore e porta a sentirsi diversi ed emarginati.
Le persone che possiedono una Personalità Creativa sono capaci di amare, di sognare, di sperimentare, di giocare, di cambiare, di raggiungere i propri obiettivi e di formularne di nuovi.
Sono uomini e donne emotivamente sani, inscindibilmente connessi alla propria anima e in contatto con la sua verità.
Queste persone coltivano la certezza che la vita abbia un significato diverso per ciascuno e rispettano ogni essere vivente, sperimentando così una grande ricchezza di possibilità.
É gente che non ama la competizione, la sopraffazione e lo sfruttamento, perché scorge un pezzetto di sé in ogni cosa che esiste.
Gente che non riesce a sentirsi bene in mezzo alla sofferenza e incapace di costruire la propria fortuna sulla disgrazia di altri.
Gente che nella nostra società non va di moda, disposta a rinunciare per condividere.
Gente impopolare. Derisa dalla legge del più forte. Beffata dalla competizione.
Portatori di un sapere che non piace, non perdono di vista l’importanza di ciò che non ha forma e non si può toccare.
Sono queste le persone che possiedono una Personalità Creativa.
Persone ingiustamente ridicolizzate e incomprese in un mondo malato di arroganza, e che, spesso, si rivolgono agli psicologi chiedendo aiuto.
Ognuno di loro è orientato verso scelte diverse da quelle di sempre.
E in genere hanno valori e priorità incomprensibili per la maggioranza.
Non seguono una religione, ma ascoltano con religiosa attenzione i dettami del proprio mondo interiore.
Sanno scherzare, senza prendere in giro.
Pagano di persona il prezzo delle proprie scelte e preferiscono perdere, pur di non barattare la dignità.
Sono fatti così.
Poco ipnotizzabili. Poco omologabili. Poco assoggettabili.
Persone che non fanno tendenza.
Forse.
Gente poco normale, di questi tempi.
Gente con l’anima.

SPETTACOLO 50 anni fa Compleanni, il White Album dei Beatles

SPETTACOLO 50 anni fa Compleanni, il White Album dei Beatles: perché uno dei dischi meno belli è anche uno dei più amati Non contiene brani iconici, non è l’emblema di un momento storico particolare e non è - musicalmente parlando - rivoluzionario. Eppure... Tweet di Diego Antonelli 22 novembre 2018 Parlando del White Album - o Doppio bianco o Album bianco, come potete indifferentemente chiamare senza tema d’essere fraintesi quel candido doppio album - intitolato in realtà semplicemente “The Beatles”, pubblicato 50 anni fa, il 23 novembre del 1968, nessun esperto o appassionato di Beatles vi potrà onestamente dire che si tratti del miglior lavoro dei quattro di Liverpool. Non contiene brani iconici, non è l’emblema di un momento storico particolare (come lo è stato il Sgt. Pepper’s per la summer of love) né di un momento particolare nella storia dei Fab Four (come il tormentato Let it be) e non è – musicalmente parlando – rivoluzionario, come lo furono Rubber Soul e Revolver, quando la crisalide divenne farfalla. Eppure. Eppure tantissimi appassionati di Beatles considerano il Doppio bianco (o White Album o Album bianco, quel che è certo è che nessuno lo chiama con il suo vero nome) un disco straordinario. Forse perché, come ha scritto con una bella intuizione qualche giorno fa sul suo profilo Facebook Marino Bartoletti, “(in questo album) trovo tutto quello che voglio a seconda delle mie sensazioni, dei miei momenti, dei miei umori”. Vero, verissimo. In effetti la cifra caratterizzante di questo lavoro è la sua varietà, il suo essere sfaccettato. Certo, in 30 brani c’è anche qualche caduta e – come scrivono alcuni critici – probabilmente si sarebbe potuto ricavare un singolo album notevolissimo facendo una selezione del materiale. Ma così non fu per una serie di ragioni che, a distanza di 50 anni sono più facili da comprendere. Il White Album arriva in un momento complicato nella storia dei Fab Four e nella storia della musica in generale. Arriva dopo una irripetibile sequenza composta da Rubber Soul/Revolver/Sgt. Pepper’s, un crescendo rossiniano di innovazione che in 18 mesi (dicembre ’65 - giugno ‘67) ha determinato un nuovo modo di fare musica e che segnerà per sempre un prima e un dopo. Ecco, il White Album è il subito dopo. E’ l’istante dopo il big bang, con tutto lo sgomento di cui può essere sovraccarico il momento in cui bisogna ricominciare daccapo a fare qualcosa che si è sempre fatto, ma in un contesto completamente rivoluzionato. E il fatto che a fare la rivoluzione siate stai voi non aiuta, anzi. Non è dato sapere se quella copertina immacolata dopo l’orgia di colori del Sgt.Pepper’s volesse essere anche la metaforica rappresentazione della sindrome da foglio bianco che colpirebbe qualsiasi umano in una situazione del genere. Quel che è certo è che questo improvviso understatement estetico marca da subito una precisa scelta di campo: quella di non entrare in competizione con il suo predecessore. E’ il segnale che il gioco a spostare sempre più in là il confine della rivoluzione è finito. Meno esperimenti, meno acrobazie da sala d’incisione, meno sovraincisioni e riversamenti. Meno lavoro per “il quinto Beatle”, il produttore George Martin, e molte più sessioni contemporanee. Come se i quattro avessero iniziato quella ricerca del loro originario spirito di gruppo che diventerà dichiarata, ossessiva e disperata oltreché fallimentare nel loro “quasi ultimo” lavoro, Let it be (il cui titolo originario doveva proprio essere Get Back). Ma la linea del tempo è una strada a senso unico e tornare indietro non è mai possibile. Rispetto alle origini i quattro ragazzi del Cavern (o di Amburgo) sono cresciuti e molto più dei 10 anni scarsi che li separano da quelle prime esperienze. L’ego di John e Paul è aumentato in maniera proporzionale al successo avuto e al loro fianco sta crescendo in capacità compositiva e consapevolezza di sé anche George. C’è un aneddoto che spiega bene questa evoluzione. I Beatles si trovano a Abbey Road per registrare While My Guitar Gently Weeps in tre lunghe sessioni: il 16 agosto, il 3 e il 5 settembre del 1968. Presenti e partecipanti tutti e quattro. Alle 3.45 del mattino dopo tre sfiancanti sedute di lavoro e di affinamento si decide che il nastro 25 è quello buono e definitivo. Tutti contenti tranne George che è l’autore della canzone e che torna nella sua villa di Esher nel Surrey per nulla soddisfatto. La canzone è bella, molto bella, decisamente la sua migliore fino a quel momento, il problema non è lì. Il punto è che John e Paul sono abituati a non prendere troppo sul serio i suoi brani, non si impegnano, non danno il massimo. E la canzone ne risente. Il giorno dopo l’appuntamento a Abbey Road è per le 19.00. George scrocca un passaggio in macchina dal suo amico Eric Clapton, che abita non lontano da lui. Durante il tragitto in macchina ha un’intuizione e chiede a Calpton di fermarsi a Abbey Road per suonare la chitarra nella “sua” canzone. Clapton prova a obiettare che “nessuno ha mai suonato in un disco dei Beatles e gli altri non gradirebbero”, ma George non vuole sentire ragioni: “La canzone è mia e io vorrei che tu ci suonassi”. Con la stessa determinazione, arrivato a Abbey Road, annuncia (non chiede, annuncia) agli altri tre che per l’occasione il gruppo si allarga. Il risultato fu eccezionale non solo per lo straordinario contributo di Clapton che fa piangere la sua chitarra come George non era riuscito a fare in tre giorni di registrazioni, ma anche perché, come disse lo stesso Harrison, la presenza di “slowhand” in studio spinse tutti a dare il loro meglio. Insomma, il White Album è il primo disco in cui i Beatles cominciano a essere meno gruppo. Tra Paul e John la sana competizione ha cominciato a sporcarsi di invidia e George reclama i propri spazi. Un album solo non può bastare a contenere l’ego dei tre musicisti a meno che tutti siano disponibili a rinunciare a qualcosa in nome del gruppo. In assenza di ciò la soluzione è un compromesso: si raddoppia lo spazio e nessuno rinuncia a nulla. La qualità viene sacrificata in nome della quantità. Il risultato finale è un album vario e sfaccettato, discontinuo e disomogeneo, certamente con alti e bassi, meno corale dei lavori precedenti e comunque… bellissimo. Perché anche se un po’ meno compatti, loro restano pur sempre i Beatles. Date queste caratteristiche possiamo dire che il White Album è un lavoro che ben si presta a una consultazione selettiva più che a una fruizione lineare, guidata dal mood del momento. Per celebrare il suo cinquantesimo compleanno vi suggeriamo una degustazione composta da 10 brani. Iniziate facendovi accarezzare dalla solare Dear Prudence, scritta per convincere Prudence Farrow, sorella dell’attrice Mia Farrow nonché compagna dell’avventura indiana dei Beatles, a uscire dalla sua capanna di Rishikesh dove si era rinchiusa da tre settimane a meditare: “Dear Prudence, won't you come out to play? Dear Prudence, greet the brand new day. The sun is up, the sky is blue, it's beautiful and so are you…”. Fate devota tappa sul malinconico assolo di chitarra di Eric Clapton nella splendida While My Guitar Gently Weeps. Sperimentate la felicità che dà tenere in mano una pistola calda inseguendo nella vertigine di mille nonsense (o doppi sensi) la “ragazza che non se ne fa scappare uno” di Happiness Is A Warm Gun. Crogiolatevi nella stanca pigrizia di John che in I’m So Tired scrive il secondo episodio di una storia cominciata su Revolver con I’m Only Sleeping (già che ci siete riascoltatevi anche quella). Ascoltate con indulgente curiosità Don’t Pass Me By, la prima canzone a firma “Starkey” (Richard Starkey è il vero nome di Ringo Starr) a finire in un disco dei Beatles. Commovetevi per la struggente dichiarazione d’amore che John fa a Julia (il nome è quello della madre persa in gioventù ma John dirà che la musa che ha ispirato questi versi va cercata in un ibrido tra la madre e Yoko Ono): “Half of what I say is meaningless but I say it just to reach you, Julia”. Forse il verso d’amore più bello scritto da Lennon. Fate un passaggio dovuto – data l’occasione – su Birthday di Paul Sorseggiate un acido bicchiere di vetriolo con l’invettiva Sexy Sadie dedicata al santone Maharishi Yogi colpevole di aver tradito la fiducia dei quattro dimostrandosi, nei suoi comportamenti assai terreni con le ragazze al seguito dei Fab Four a Rishikesh, non poi così santo. Ascoltate l’esperimento heavy metal di Paul che in Helter Skelter spinge i quattro a sputare l’anima (tanto che la canzone si chiude con l’urlo liberatorio di Ringo “I’ve got blisters on my fingers!”, ho le vesciche alle mani), non dimenticando che la canzone è diventata tristemente famosa perché Charles Manson dichiarò di aver trovato nel suo testo l’ispirazione per organizzare con la sua “Family” la mattanza di Cielo Drive in cui la notte del 9 agosto 1969 trovarono la morte Sharon Tate – moglie incinta all’ottavo mese del regista Roman Polanski – e altre quattro persone. E infine divoratevi tutta la scatola di cioccolatini Good News della Mackintosh, come fece Eric Clapton a casa dell’amico George, nonostante il mal di denti cronico che lo affliggeva all’epoca. La scena colpì a tal punto il Beatle da spingerlo a mettere in musica in questo divertissement intitolato Savoy Truffle i curiosi nomi dei cioccolatini contenuti nella scatola. Il tutto per dare una saggia raccomandazione all’amico Eric: “Creme Tangerine and Montelimar, a Ginger Sling with a Pineapple Heart, a Coffee Dessert, yes you know it's Good News. But you'll have to have them all pulled out after the Savoy Truffle”, te li dovrai far strappare tutti (i denti) dopo aver mangiato (anche) il Savoy Truffle!

I padrini del Blues scelti dai Rolling Stones

Il gruppo ha scelto 42 brani della storia di questo genere. Un viaggio tra il Mississippi e Chicago, alla riscoperta dei grandi.  

• Massimo Del Papa Twitter

Correlati

• max factor

  Le pagelle della terza serata di X Factor 2018 Live

• La recensione de "Il ballo della vita" dei Maneskin

• La recensione di 8, il nuovo disco dei Subsonica

• Recensione di Io, il nuovo disco di Alessandra Amoroso

E il blues è l'ultima volta di ogni cosa. È la malattia che non guarisce, è tutto quello che sei. È un canto di schiavi che prende la chitarra, diventa elettrico, diventa di moda, si riscatta, ma resta gatto selvatico, che non si fida, che non addomestichi mai davvero. È facile da fare, le solite 12 battute, ma difficile da sentire, da essere. È quella cosa che non sai cosa sia, ma o ce l'hai, oppure non ce l'hai e allora meglio lasciar perdere. E non ha senso prendere una chitarra se prima non hai capito il blues.

 

Il blues è l'inizio e la fine di tutto, anche dei Rolling Stones che finiranno come hanno cominciato, che due anni fa hanno fatto un disco di standard quasi per sbaglio, a 55 anni dalle prime acerbe cover, vendendo 3 milioni di copie e adesso hanno curato una raccolta in due dischi, un vero e proprio viatico con i pezzi che considerano indispensabili. Per dire a chi li ascolta che sta tutto lì, che si ricomincia sempre da capo. Una educazione che non è solo sentimentale, una critica di una ragion pura musicale che, in 42 brani, recupera anche episodi risuonati nell'ultimo Blue & Lonesome. «Facciamogli sentire gli originali, scopriranno qualcosa di nuovo», devono essersi detti. Confessin' the blues, per Bmg/Universal, esce in formati diversificati: 2cd, set di lp 2x2 e in cinque vinili da 10" (imitando le versioni originali di 78 Rpm) per i superpuristi. Tutte le versioni includono le note di copertina del critico musicale Colin Larkin, mentre un bookpack contiene le stampe artistiche del famoso illustratore del blues Christoph Mueller. La copertina, bellissima, è un disegno apposito di Ron Wood, che ha curato anche la parte grafica. Quarantadue classici e, nei solchi, una foresta di storie, di tragedie, di misteri, di dolore scintillante.

VIAGGIO NELLA CHICAGO CAPITALE

La raccolta offre, come è sacrosanto, uno spettro esauriente della prima metà del Novecento – dopo, sarebbero arrivati proprio loro, i nuovi ragazzi, a ritradurre la musica del diavolo per la modernità -, ma è chiaro che la scelta non poteva non privilegiare la Chicago elettrica. Così, a spasso per le canzoni torna la competizione a distanza fra Howlin' Wolf e Muddy Waters.

Howling' Wolfe e la sua chitarra elettrica.

HOWLIN' WOLF, IL GIGANTE

​Il primo tradiva tutto il disagio e la diffidenza di un contadino del Mississippi scaraventato nella metropoli e risolto ad adottare uno stile viscerale; fisico da peso massimo, un enorme ponte da West Point a Chicago dove giunse chiamato dai Chess nei primi Anni 50. Questo fu Howlin' Wolf, che ruggiva e ululava accompagnato dalla chitarra blues-garage di Hubert Sumlin: insieme definirono uno stile dentro al blues. Nella voce Chester Arthur Burnett aveva la nera profondità di un popolo. Mr “Back Door Man” è stato un gigante in tutti i sensi, ululava come nessuno, ma tutti dopo di lui hanno cercato di imitarlo, fino al metal.

MUDDY WATERS E LA CHESS RECORDS

Più elegante, capace di proporre una versione non meno “autentica” ma più commestibile di un genere che, provenendo da artisti marginali, per giunta di colore, non poteva non ingenerare preoccupazione e pregiudizio, Muddy Waters spicca il volo per il successo con la leggendaria Chess Records, e, quando ascolta per la prima volta un suo disco, non può credere che quella voce gli appartenga, che sia proprio lui a cantare: è quasi scioccato dalla possibilità di ascoltarsi. Quando, nel 1964, gli esordienti, imberbi Rolling Stones si spingono a Chicago, sulle tracce del blues, trovano proprio alla Chess, il loro Shangri-la, Muddy intento a dipingere le pareti del soffitto; scende dalla scaletta e, chiazzato com'è di vernice, si offre di aiutarli a scaricare i loro strumenti. I ragazzini sono sconvolti, un loro mito che gli fa da facchino: ricevono una lezione di grandezza e di umiltà che mai dimenticheranno. Questo almeno narra la leggenda, da più parti confutata: ma è una leggenda blues, meravigliosa, e alla fine si è imposta sulla realtà.

Chuck Berry e Keith Richards.

BUDDY GUY E IL BLUES ELETTRICO

In una simile carrellata non poteva mancare Buddy Guy, con cui gli Stones, quando capita, suonano ancora adesso. Buddy lascia la Louisiana per Chicago nel 1957 e lancia la sua carriera lungo la strada di un blues elettrico che influenzerà innumerevoli chitarristi, da Jimi Hendrix a Eric Clapton. Gli Anni 60 sono il suo apice, imperdibile l'album Buddy's Blues, con registrazioni del periodo 1960-1967. Buddy Guy è stato il “pilota” di tanti, con uno stile insieme aggressivo e raffinato. Se capitate a Chicago, un salto al Buddy Guy's Legend fatecelo: magari potete prendervi un po' di Champagne & Reefer. L'importante è non perdere la testa se, intanto che siete lì al bancone, vi vedete entrare quattro tipi dall'aria consumata che, di punto in bianco, chiamano il padrone e insieme si mettono a improvvisare un blues.

LA LEGGENDA CHUCK BERRY

E figuriamoci se, nel cuore degli Stones, poteva mancare Chuck Berry, passato alla storia come l'inventore – o uno degli inventori – del rock and roll, ma, prima di tutto, bluesman autentico: lui, anzi, voleva farsi conoscere proprio come cantante e chitarrista blues, senonché alla splendida The Wee Wee Hours, Leonard Chess preferì Maybellene, che fondeva elementi blues e country in un modo nuovo e irresistibile: così nacque la leggenda di questo artista straordinario, un misantropo carogna capace di raccontare la gente alla gente come nessuno. Ha subito il razzismo più becero, la persecuzione giudiziaria, è passato dalle rapine giovanili, anzi minorili, a mano armata alle suite dei migliori alberghi della terra: ma non è mai cambiato, furbo, carogna e sospettoso. Se un giornalista gli chiedeva quando fosse nato davvero, sapeva già l'immancabile risposta: «Questi sono solo fottuti c**** miei» (Trump al confronto è un'orsolina). Non ha mai partecipato a eventi o festival di beneficenza, perché «conosco un solo ente di beneficenza e si chiama Chuck Berry». Unico anche nell'impresa di prendere a pugni Keith Richards senza farsi uccidere, anzi quello andava in giro tutto fiero a mostrare l'occhio nero: «Me l'ha fatto Chuck!». Anni dopo, Berry si sarebbe scusato con... Ronnie Wood. E, a chi gli faceva notare che aveva confuso i chitarristi, opponeva una risposta impeccabile: «Ma che diavolo ne so io, sono quei bastardi di bianchi a essere tutti uguali».

E chi immagina, poi, che tra il 1943 e il 1949 B. B. King studia il blues, lo trasmette e poi lo incide? B. B. King sta per “Blues Boy”, uno dei nomi con cui il bluesman si segnala come disc-jokey alla radio Wdia di Memphis. Ma il passaggio dalla musica trasmessa a quella suonata è dietro l'angolo: nel 1949 King comincia a registrare per la Rpm Records con Sam Phillips (futuro fondatore della Sun Records): ecco Whole Lotta Love, Sweet Little Angel, Woke Up This Morning... e il successo. Una vita sul palco, B. B. King è il vero “Re del Blues”, titolo che ha conquistato definitivamente negli Anni 70, quando il suo stile, influenzato da Charlie Christian e Django Reinhardt, si è imposto a suon di concerti: anche 300 l'anno.

Maestro nel combinare il Blues con la pulizia del Jazz, gli basta una sola nota, stirata, rivoltata, allungata, per sciogliere l'anima. In pista già da una decade, B. B. King entra nella leggenda a metà degli Anni 60 grazie al suo stile chitarristico sopraffino e all'album Live at The Regal, che lo spara nella leggenda; completa il suo status la cover di The Thrill Is Gone di Roy Hawkins, che nel 1969 porta il suo nome in cima alle classifiche. E, siccome dietro ogni grande bluesman c'è (almeno) una grande chitarra, resta celeberrima l'avventura di King con la sua Lucille: nel '49 a Twist, Arkansas, dopo una rissa il locale va a fuoco, tutti fuggono ma B.B. non trova la sua seicorde: torna dentro, riesce a salvarla ed esce mentre il locale crolla dietro di lui. Una visione epica. Quando viene a sapere che la rissa era scoppiata, manco a dirlo, a causa di una ragazza, certa Lucille, King non esita: una volta e per sempre sarà Lucille tra le sue dita.

Robert Johnson.

IL MISTERO DI ROBERT JOHNSON

L'epilogo di questo excursus tinto di blues non può non coincidere con l'origine, quantomeno nella vulgata: di Robert Johnson si è detto di tutto senza sapere quasi niente. Non v'è certezza su nulla, non la data di nascita, forse tra il 1910 e il 1912, non il suo vero padre, nessuno fra i due che lo tirarono su era quello biologico, non la sua vita, men che meno la sua morte. Ovviamente, l'arcano più profondo riguarda la sua inquietante abilità come chitarrista. Quello che si sa, si sa soprattutto per l'opera meritoria dello storico Mack Mc Cormick che, partendo dalle uniche due fotografie attribuite con certezza al più misterioso dei bluesman, è riuscito a cavarne una biografia. Di certo, o almeno verosimile, abbiamo che il giovanissimo Robert apprese i rudimenti dell'armonica e della chitarra da uno dei suoi innumerevoli fratelli e fratellastri: suonava come poteva, cioè malissimo, il che gli guadagnava le bonarie, ma feroci, prese in giro di Son House e Willie Brown. Finché una sera, dilaniato nell'orgoglio, sparì e nessuno lo vide più. Tornò dopo sei mesi, imbracciò una chitarra e, quella volta, restarono tutti muti. A bocca aperta, però. Lui, malizioso, ambiguo e abile, si ritagliò la leggenda di un patto col diavolo: il blues contro l'anima.

LO ZAMPINO DEL DIAVOLO

Probabilmente trovò qualche maestro sconosciuto, forse certo Ike Zimmerman, con cui si esercitava di notte nei cimiteri. Come a dire che, mettila come vuoi, lo zampino del diavolo in un modo o nell'altro c'entra sempre. Sta di fatto che, come ci ricorda Roberto Caselli nella sua splendida Storia del Blues (Hoepli), Johnson superò in tecnica e intensità anche il maestro Son House, diventando archetipico e insieme propulsore per un blues più moderno, addirittura imperituro. Ha lasciato appena 29 pezzi, incisi in cinque session tra il 1936 e il 1937, prima che il diavolo, nelle sembianze di un marito geloso, tornasse a riprendersi quel che gli spettava: il corpo di Robert, stecchito per il veleno, diventava spirito della musica del diavolo da qui all'eternità.

Yemen, anche per il governo gialloverde....

Yemen, anche per il governo gialloverde vale l'assunto: toglieteci tutto, ma non il business delle armi

• Umberto De Giovannangeli Giornalista, esperto di Medio Oriente e Islam

MOHAMMED HUWAIS via Getty Images

Versano lacrime alla vista della foto della piccola Amal, un corpicino scheletrico che ha cessato di vivere lo scorso primo novembre, ma poi continuano a fare affari con coloro che hanno trasformato lo Yemen, per dirla con le parole di Geert Cappelaere, direttore regionale Unicef per il Medio Oriente e l'Africa, "in un inferno per i bambini". Quella in Yemen non è una "guerra dimenticata". È una guerra combattuta, dalla coalizione a guida saudita, con armi vendute loro dall'Occidente.
Si può disertare, in segno di protesta, la "Davos del deserto". Esternare dichiarazioni indignate per il brutale assassinio del giornalista e dissidente saudita Jamal Khashoggi. Si può addirittura tirare in ballo l'impunibile erede al trono Saud, il principe Mohammed bin Salman. Tutto si può fare. Tranne una cosa: bloccare la vendita di armi (Merkel esclusa) a Riyadh. Quelle armi che stanno martoriando un popolo: quello yemenita. Secondo le stime delle Nazioni Unite di questa settimana, se non s'arriverà a un cessate il fuoco e a una pace duratura, oltre quattordici milioni di persone potrebbero letteralmente morire di fame.
Al momento solo la Germania ha congelato i contratti di vendita di armi verso l'Arabia Saudita, dopo l'uccisione del giornalista Jamal Khashoggi all'interno del consolato saudita a Istanbul, invitando anche gli altri Paesi europei a fare lo stesso. L'Italia, ha fatto sapere il ministro degli esteri Enzo Moavero Milanesi, sta "senz'altro valutando" la possibilità di bloccare la fornitura di armi all'Arabia Saudita. "Sulla vendita di armi a Paesi che violano i diritti umani fondamentali, noi del Movimento abbiamo sempre avuto una posizione chiara", affermano Simona Suriano, Yana Ehm, Santi Cappellani e Pino Cabras, parlamentari 5 Stelle in commissione affari esteri di Montecitorio. E hanno aggiunto: "Proprio per questo vorremmo che l'Italia adottasse in merito normative altrettanto chiare. E la Legge 185 del 1990 sull'export delle armi, purtroppo, non sembra capace di rispondere a tali esigenze, come comprovato dal rapporto tra il nostro Paese e l'Arabia Saudita". La coalizione a guida saudita ha provocato la morte di oltre 4.000 civili. E quei morti sono stati causati anche da bombe "made in Italy".
Qui arriva la promessa 5 Stelle. "Bombe italiane, morti yemenite": è il titolo di articolo apparso sul blog del M5S, richiamando quello del video reportage pubblicato dal New York Times, sulle armi prodotte in uno stabilimento in Sardegna e vendute all'Arabia Saudita. Quel reportage, scrive Fabio Massimo Castaldo di M5S Europa, "getta luce su una vicenda inquietante. Vicenda che il M5S ha portato all'attenzione dei più alti rappresentanti delle istituzioni italiane (grazie anche all'amico e collega Roberto Cotti) ed europee. Io stesso sono intervenuto più volte, durante la plenaria di Strasburgo, per denunciare quello che avviene in Yemen, dove si continua a combattere una guerra per procura, un massacro sotto silenzio". Per proseguire: "E le vittime di questo massacro sono soprattutto civili inermi, tra cui bambini. Aspetto, questo, evidenziato anche dal quotidiano americano attraverso alcune immagini. Più volte ho chiesto all'Europa di levare finalmente la sua voce e di agire anche sui propri Stati membri. Sì, perché non è tollerabile che a prevalere sia il timore di urtare gli interessi dell'Arabia Saudita e della lobby europea degli armamenti. Ci sarebbe la possibilità di poter fermare questa tragedia attraverso il rispetto degli otto criteri del Codice di condotta dell'Unione Europea per le esportazioni di armi del 2008. Criteri che l'Europa ha sempre calpestato, pur avendoli affermati, perché in proposito non è prevista alcuna forma di sanzione".
"Il M5S – ricordava l'autore - ha depositato un emendamento volto, invece, proprio a chiedere di sanzionare quei paesi che ne violano il rispetto dei criteri. Non vorrei che, a forza di chiudere gli occhi per proteggere l'utile (quello di alcuni Paesi), finissimo per diventare ciechi davanti all'indispensabile. Con il M5S al governo e con il suo rappresentante nel Consiglio europeo faremo di tutto per evitare di diventare complici di queste guerre per procura che non hanno fatto altro che portare, nel corso degli anni, morte e distruzione".
Ora al governo, il "governo del cambiamento", i pentastellati ci sono arrivati. Ma le armi all'Arabia Saudita continuano ad essere vendute. "Il Governo italiano – denuncia Amnesty International - sta continuando a fornire armi all'Arabia Saudita e agli altri membri della coalizione da utilizzare contro lo Yemen, violando il diritto nazionale ed internazionale. Tra le norme violate, ci sono quelle stabilite nel Trattato sul commercio delle armi a cui l'Italia ha aderito proprio per prevenire la sofferenza umana dovuta ad uno commercio sconsiderato e senza regole, oltre alla legge italiana 185 del 1990 che vieta espressamente la vendita di armi a Paesi coinvolti in conflitti armati. Anche bombe prodotte in Italia sono state utilizzate in questi anni di violento conflitto, come confermato dal Rapporto delle Nazioni Unite sul conflitto nello Yemen dello scorso 27 gennaio dove si mostrano le prove dell'utilizzo di bombe targate RWM da parte della coalizione araba nella capitale Sana'a".
Nelle scorse settimane, la ministra della Difesa Elisabetta Trenta (M5S) ha annunciato su Facebook di aver chiesto conto al ministero degli Esteri della vendita di armi dall'Italia all'Arabia Saudita. La responsabile della Difesa fa anche sapere di aver chiesto di "interrompere immediatamente" l'export: "Ecco perché ho chiesto un resoconto dell'export, o del transito – come rivelato in passato da alcuni organi di stampa e trasmissioni televisive, che ringrazio – di bombe o altri armamenti dall'Italia all'Arabia Saudita". Per proseguire: "Fino ad ora, erroneamente, si era attribuita la paternità della questione al ministero della Difesa, mentre la competenza è del ministero degli Affari Esteri (Unità per le autorizzazioni dei materiali di armamento-UAMA), al quale venerdì scorso ho inviato una richiesta di chiarimenti, sottolineando – laddove si configurasse una violazione della legge 185 del 1990 – di interrompere subito l'export e far decadere immediatamente i contratti in essere. Contratti – ricordo – firmati e portati avanti dal precedente governo".
La presa di posizione di Trenta arriva giusto dopo che, un paio di giorni prima, Giorgio Beretta dell'Osservatorio permanente sulle armi leggere e sulle politiche di sicurezza e difesa di Brescia, era tornato, da Il Manifesto, sull'argomento dell'export di armi notando che il Movimento 5 Stelle, che nella scorsa legislatura aveva accusato Renzi e Gentiloni di avere "le mani sporche di sangue" per le continue forniture di bombe aeree all'Arabia Saudita, ancora non aveva fatto nulla per sospendere l'export di armi in Arabia Saudita.
Un passo, neanche troppo lungo, indietro nel tempo. Nel luglio scorso, la deputata Pd Lia Quartapelle ha presentato un'interrogazione in commissione Esteri nella quale chiedeva se il governo non ritenesse "opportuno, assumere iniziative per rivedere [...] i termini delle forniture di materiali di armamento ai Paesi impegnati nella guerra in Yemen". A risponderle il sottosegretario agli Esteri, il pentastellato Manlio Di Stefano: "il Governo presterà particolare attenzione affinché tutte le richieste autorizzative di esportazione di materiale d'armamento continuino ad essere valutate con estrema attenzione e particolare rigore". "Le valutazioni avvengono in un quadro di concertazione fra Paesi Alleati ed UE, tenendo anche conto dei rapporti bilaterali e della cooperazione internazionale nella lotta al terrorismo", si legge ancora nella risposta di Di Stefano.
Una risposta che ricalca esattamente la linea del governo Gentiloni, a suo tempo tanto osteggiata dal M5S. Il Di Stefano di governo non sembra essere neanche un lontano parente del Di Stefano che nel 2016, dai banchi dell'opposizione, tuonava: "Europa e Italia fingono di non capire che le armi vendute all'Arabia Saudita vadano a finire nelle mani dei terroristi (e parliamo di uno tra i primi acquirenti al mondo nonché primo acquirente di armi italiane)". Scriveva il 29 luglio 2016: "Italia ed Europa dovrebbero contenere in tutti i modi quei Paesi che forniscono soldi e armi ai terroristi e responsabili dello scempio in Yemen".
"La posizione espressa dal sottosegretario agli Esteri Manlio Di Stefano ripropone sostanzialmente quelle manifestate dai precedenti governi Renzi e Gentiloni", aveva annotato a suo tempo Beretta. "Si tratta di posizioni che nella precedente legislatura il M5S aveva duramente criticato dai banchi di Montecitorio chiedendo che venisse bloccata l'esportazione di armi e articoli correlati prodotti in Italia o che transitino per l'Italia, destinati all'Arabia Saudita e a tutti i Paesi coinvolti nel conflitto armato in Yemen", ed invitando il governo ad "assumere questa posizione anche in assenza di una formale dichiarazione di embargo sulle armi da parte delle organizzazioni internazionali".
Insomma, un gioco delle parti, come lo definisce Maurizio Simoncelli, dell'Archivio per il Disarmo: "La risposta è talmente generica che lascia stupiti, considerando le battaglie che a suo tempo il Movimento ha sposato. Come del resto lascia stupiti che l'interrogazione sia stata presentata dalla Quartapelle che fino a poco tempo fa era in maggioranza". Insomma, cambiano i governi, ma l'andazzo resta sempre quello: toglieteci tutto, meno il business delle armi. Quelle armi che hanno ridotto lo Yemen in un inferno in terra. Un inferno per i bambini.

Come nasce una gondola

Come nasce una gondola

Addio Roberto Tramontin. Ritratto del grande maestro d'ascia veneziano

Che cosa sono le “Fave dei morti” veneziane?

 




Che cosa sono le fave dei morti” veneziane?
Le “Fave dei morti” sono un dolce tipico veneziano, che si prepara per la ricorrenza del 1 novembre. In realtà dolci simili si preparano in quasi tutte le regioni italiane in questo periodo. Il dolce veneziano si caratterizza per i tre colori delle favette (marrone, pesca e panna) che risultano abbastanza croccanti al gusto (mentre quelle Triestine, simili, sono più morbide). Gli ingredienti sono molto semplici: pinoli (o mandorle), albume d’uovo e zucchero.
La tradizione di mangiare questo legume durante il “Giorno dei morti” pare abbia radici molto antiche. Commentando l’origine del nome “Calle della fava” a Venezia, sul sito “Venice explorer” si legge:
Alcuni invece vogliono che presso questo ponte vi fosse una bottega ove si vendevano quelle pastiglie che si preparano pel giorno dei Morti, e che appellansi fave. L’uso di preparare in detto giorno tali pastiglie ebbe l’origine seguente. Immaginandosi i gentili di leggere nel petalo del fiore della fava alcune lettere funebri, e credendo eziandio che l’anime dei morti trasmigrassero nelle fave, se ne cibavano nei funebri banchetti, e le offrivano ai Mani nelle feste Lemurie, gettandosele per rito dietro le spalle («Ovidio, Fasti, Lib. V»)
Infatti già nel VII – VI sec. a.C. nell’area del Mediterraneo le fave erano legate al mondo dei morti poiché il fiore di questo legume è bianco ma macchiato al centro di nero (simbolo di morte). Inoltre, se lasciate nell’acqua le fave (secche), esse la tingono di colore rosso e ricordano quindi il sangue. Per tutti questi motivi lo storico romano Plinio affermava che nell’antica Roma questo legume avesse un’accezione negativa poiché al suo interno risiedevano le anime dei morti. C’era anche un rito che era effettuato durante la commemorazione dei morti (che in antichità si svolgeva a maggio e non a novembre), per il quale si dovevano masticare a mezzanotte una alla volta 9 fave per poi buttarle alle spalle sulla tomba del defunto.
Le “Fave dei morti” sono un dolce tipico veneziano, che si prepara per la ricorrenza del 1 novembre. In realtà dolci simili si preparano in quasi tutte le regioni italiane in questo periodo. Il dolce veneziano si caratterizza per i tre colori delle favette (marrone, pesca e panna) che risultano abbastanza croccanti al gusto (mentre quelle Triestine, simili, sono più morbide). Gli ingredienti sono molto semplici: pinoli (o mandorle), albume d’uovo e zucchero.
La tradizione di mangiare questo legume durante il “Giorno dei morti” pare abbia radici molto antiche. Commentando l’origine del nome “Calle della fava” a Venezia, sul sito “Venice explorer” si legge:
Alcuni invece vogliono che presso questo ponte vi fosse una bottega ove si vendevano quelle pastiglie che si preparano pel giorno dei Morti, e che appellansi fave. L’uso di preparare in detto giorno tali pastiglie ebbe l’origine seguente. Immaginandosi i gentili di leggere nel petalo del fiore della fava alcune lettere funebri, e credendo eziandio che l’anime dei morti trasmigrassero nelle fave, se ne cibavano nei funebri banchetti, e le offrivano ai Mani nelle feste Lemurie, gettandosele per rito dietro le spalle («Ovidio, Fasti, Lib. V»)
Infatti già nel VII – VI sec. a.C. nell’area del Mediterraneo le fave erano legate al mondo dei morti poiché il fiore di questo legume è bianco ma macchiato al centro di nero (simbolo di morte). Inoltre, se lasciate nell’acqua le fave (secche), esse la tingono di colore rosso e ricordano quindi il sangue. Per tutti questi motivi lo storico romano Plinio affermava che nell’antica Roma questo legume avesse un’accezione negativa poiché al suo interno risiedevano le anime dei morti. C’era anche un rito che era effettuato durante la commemorazione dei morti (che in antichità si svolgeva a maggio e non a novembre), per il quale si dovevano masticare a mezzanotte una alla volta 9 fave per poi buttarle alle spalle sulla tomba del defunto.